domingo, 27 de junio de 2010

Curiosidades de la opera

   Nadie sabe con exactitud quién tuvo la original idea de actuar cantando en una escena dramatizada. Surgió de la tendencia que tenía la aristocracia por la diversión. Las primeras representaciones de estilo operístico comenzaron siendo una parte de las fiestas de la corte. No era necesario un lugar determinado para su puesta en escena, sino que, por el contrario, era suficiente con el salón de gala de un palacio renacentista y los buenos cantantes e instrumentistas con que contaba la servidumbre de palacio. Pero también el público, integrado por familias aristocráticas y sus distinguidos invitados, estaba instruido desde el punto de vista musical y participaba a menudo de la obra. Como seres divinos y míticos, los nobles se interpretaban a sí mismos.
A mediados del siglo XVI se inició una fuerte relación entre la palabra y la música la cual necesitaba una base teórica. Para esto se tomaron como modelo las antiguas tragedias griegas, sobre las cuales se habían logrado juntar la palabra y la música en una unidad.
La palabra ópera que en latín e italiano significa obra, no se utilizaba antes de 1650 para las piezas de teatro musical, sino que se usaba el término de drama o fábula musical en las que se intercalaba el texto con formas musicales llamadas madrigales que era la manera más popular de expresión vocal del siglo XVI y principios del XVII.
Con el posicionamiento del drama musical en Italia, lo que más tarde sería la ópera, puede afirmarse que esta época ya estaba madura para la aparición de un genio que cristalizara el auténtico drama musical, así fue como apareció Claudio Monteverdi nacido en 1567 en Cremona y fallecido en 1643 en Venecia.
La ópera seria es el género operístico italiano que se formó hacia finales del siglo XVII a partir de diferentes elementos estilísticos y se convirtió en un arte escénico prominente. Los temas procedían de la mitología grecorromana y de la historia y estuvo en su apogeo aproximadamente hasta 1770. El barroco, el clasicismo, el romanticismo y el verismo en la ópera también se vieron reflejados en sus temáticas.
    La ópera bufa es el género operístico italiano independiente que se desarrolló entre los siglos XVIII y XIX. Nació cuando en la ópera seria se realizaban intermedios y en ellos se llevaban a escena fragmentos cómicos de un tema determinado. La ópera bufa más conocida es El Barbero de Sevilla de Gioacchino Rossini.
La zarzuela es el teatro musical español hablado y cantado a la vez, equivalente a la opéra-comique francesa, al singpiel alemán, a la ballad opera inglesa y a la opereta vienesa. Surgió como un pasatiempo agradable que permitiría la diversión y el disfrute de los asistentes al teatro, por la comedia inmersa en las tramas de los argumentos como por el atractivo de su música lleno de melodías pegajosas y con ritmos y danzas conocidos que van desde las jotas y pasodobles hasta los tangos y habaneras.
La ópera cómique es el género operístico francés que surgió en la primera mitad del siglo XVIII y sirvió como modelo para el nacimiento del Singspiel en Alemania y de la opereta. La ópera cómica se compone de diálogos hablados y números de canto con contenidos cómicos pero también líricos y románticos, aunque en determinados casos también figura la tragedia como en la ópera Carmen de Georges Bizet.

Juaquín Rodrígo

      Joaquín Rodrigo nació en Sagunto el 22 de noviembre de 1901. A los tres años de edad se quedó prácticamente ciego a causa de una infección de difteria. Según él mismo, la pérdida parcial de la vista le colocó en el camino de la música.
Inició sus estudios musicales con 8 años, estudiando solfeo, violín y piano. Con 16 años estudió armonía y composición con profesores del Conservatorio de Valencia. Sus primeras composiciones (Suite para piano, Dos esbozos, suite para piano y violín y Siciliana, para violonchelo) datan de 1923. Su primera obra para orquesta es Juglares, que data de 1924 y fue premiada en Valencia y Madrid. También obtiene un diploma en un concurso nacional por la obra Cinco piezas infantiles, que más tarde sería premiada también en París. Desde el principio de su carrera, Rodrigo escribía sus trabajos en braille, siendo posteriormente editados sus escritos por un escribiente.
En 1927, siguiendo el ejemplo de sus antecesores Albéniz, Manuel de Falla, Enrique Granados y Turina, Rodrigo se traslada a París para inscribirse en la École Normale de Musique, donde estudió durante cinco años, con Paul Dukas. Allí entabla amistad con Ravel, Milhaud, Arthur Honegger, Stravinski y Manuel de Falla. En París conoce también a su futura mujer, la pianista turca Victoria Kamhi, con la que se casó el 19 de enero de 1933. Victoria Kamhi era profesora diplomada en el Conservatorio de París y alumna de Jorge Lalewicz en Viena, y de Lazare Lévy y Ricardo Viñes en París. Rodrigo escribió Sonata de adiós, para piano, en memoria de su maestro Dukas tras su muerte en 1935. Continuó sus estudios de música en Francia en el Conservatorio de Paris de la Sorbona, trabajando también en Alemania, Austria y Suiza, antes de volver a España en 1939 e instalarse definitivamente en Madrid.
En 1940 tiene lugar en Barcelona el estreno mundial del Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta, un ejemplo definitivo de su personalidad musical y una obra que le traería fama universal. Desde ese momento, Joaquín Rodrigo emprendió numerosas actividades artísticas, creativas y académicas.
Ha cultivado especialmente la canción, entre las que se cuentan Cántico de la esposa o los Cuatro madrigales amatorios.
Hay que destacar además la aportación definitiva de Joaquín Rodrigo al repertorio para guitarra, logrando su dignificación y su consagración internacional como instrumento de concierto, con una mención especial para su obra Fantasía para un gentilhombre, compuesta en 1954 sobre temas del compositor barroco Gaspar Sanz.
En 1983 fue galardonado con el Premio Nacional de Música de España y fue ennoblecido en 1991 por el rey don Juan Carlos I con el título de Marqués de los Jardines de Aranjuez. Cinco años después, le fue concedido otro gran honor, el Premio Príncipe de Asturias, otorgado "por su extraordinaria contribución a la música española a la que ha aportado nuevos impulsos para una proyección universal". Ese mismo año 1996 recibe la Medalla de Oro de Sagunto, la Gran Cruz de la Orden Civil de Solidaridad Social, y la Estrella de Oro de la Comunidad de Madrid. En 1998 el gobierno francés le honra con el título de Commandeur des Arts et des Lettres, y poco después, recibe el Premio al Mejor Autor de Música Clásica de la Sociedad General de Autores y Editores. También en 1998 le fue concedida la Medalla de Honor de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, y al año siguiente, la Medalla de Oro del Festival de Granada.
Joaquín Rodrigo falleció en Madrid el 6 de julio de 1999, dos años después del fallecimiento de su mujer. Victoria Kamhi había sido su compañera inseparable y la colaboradora más importante en todos los aspectos de su trabajo como compositor.
Con el principal objetivo de asegurar la preservación y difusión de la música de Joaquín Rodrigo, su hija Cecilia, fundó la editorial Ediciones Joaquín Rodrigo en 1989, y creó la Victoria and Joaquín Rodrigo Foundation en 1999.

sábado, 19 de junio de 2010

In Memoriam (Los chicos del coro)

     In memoriam en un primer momento es diegética -la resistencia sólo es vocal. Después se repercute para ser el tema del incendio asumiendo instrumentalización y se convierte en incidental. El cambio le otorga un matiz oscuro, tétrico, de peligro; en un nivel argumental adelanta un mal presagio (el incendio del internado), en un nivel espacial mantiene la incertidumbre hasta la presencia por el camino de los niños y el profesor. Después se desvanece, para repercutir en el tema de Mondain. Aquí debemos hacer un pequeño paréntesis. In memoriam lo hemos considerado un tema secundario porque parece tener una autonomía de significado bastante clara. Sin embargo, podría considerarse como música repercutida de L'arrivée a l'école y, en consecuencia del subtema de Mondain, porque muchos de los acordes se repiten aunque camuflados en distintos instrumentos e intensidades. Por otra parte, In memoriam vuelve instrumentalizado en el tema final, comparte terreno con el segundo tema central Vois sur ton chemin. En este caso podría considerarse no integrada, ya que la elección de otro tema para los créditos finales podría haber sido Caresse sur l'océan, por ejemplo. ¿Explicación? Puede que por la rotundidad y la enérgica voz de los niños, que sobreviven a las adversidades, que pisan fuerte el camino de la vida, que dan gracias por haber conocido al vigilante, en memoria de Clément Mathieu. 

(VER PARTITURA)

jueves, 17 de junio de 2010

Música para liberar la energia de los niños

   Nuestros Hijos merecen impregnarse de buena música; una música que sea melódica, la mejor que podamos encontrar para ellos. En particular, cuando son pequeños, es mejor que evitemos los sonidos estresantes y caóticos o las canciones deprimentes. Los niños (y muchos adultos) están abiertos, a nivel subconsciente, a cualquier sonido o sugestión del entorno.  También, y en un sentido constructivo, a medida que crecen debemos buscar música con ritmos mas definidos y agradables melodías que les ayuden a dirigir y motivar sus energías.
Ciertas obras especialmente bellas  rítmicas, como una sinfonía de Haydn o incluso la melodiosa canción de amor de la bella y la bestia, les ayudará a concentrarse cuando realicen sus deberes escolares, mientras que otras piezas de carácter estresante y sonidos caóticos harán que pierda la capacidad de concentración y los pondrán nerviosos aunque no tengan ningún trabajo que hacer.
En la siguiente lista se indican algunas composiciones capaces de estimular a niños de tres años en adelante sin atacarlos o hacer que se sientan dispersos y confusos.
Leroy Anderson: Sleigh ride
Bizet: Jeux d´enfants
Dohnányi: Variaciones sobre una canción infantil
Dukas: El aprendiz de brujo
Harsányi: L´histoire du petit tailleur
Mozart: Sonatas para violin y piano
Ponchielli: Danza de las horas
Prokofiev: Pedro y el lobo
Saint-Saëns: El carnaval de los animales
Villa-Lobos: El pequeño tren de Caipira
Asimismo son muy recomendables las bandas sonoras de las peliculas de Wald Disney

Hang drum

    El Hang es un instrumento musical de percusión creado en los laboratorios pertenecientes a la compañía PANArt, por Felix Rohner y Sabina Schärer en un cantón de Suiza en el año 2000. Hang significa mano en idioma Bernés. Fue el resultado de 25 años de investigación científica con acero y otros instrumentos de percusión resonante por todo el mundo, como el Gong, el Gamelan, el Ghatam, etc. Puede decirse que el Hang es el fructífero resultado de la unión de arte, ciencia y tecnología.
Se puede tocar de varias formas: con la punta de los dedos, los pulgares o la palma de la mano, o mezclando las tres a la vez. La mayoría de las veces, el Hang se coloca sobre las piernas del ejecutante.
Su sonido es metálico, armónico y con cierta capacidad melódica.
El instrumento se compone de dos hemisferios de metal soldados y los lados se llaman Ding y Gu. El lado Ding contiene 8 tonos musicales en forma de círculos que rodean a un circulo central mayor (el llamado Ding) y que tiene un sonido muy parecido al Gong. El otro lado, el lado Gu, tiene un agujero para la resonancia del sonido que se genera dentro. Es un instrumento muy portátil a pesar de su aparente volumen.

Por qué Beethoven tiró el estofado

         Recorrido por la vida y la obra de seis compositores geniales: Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, ludwig van Beethoven, Robert Schumann, Johannes Brahms e Igor Stravinsky. Con un tono humorístico, Isserlis nos introduce en el fascinante mundo de los autores que dieron un giro a la historia de la música clásica. 
Steven Isserlis, nacido en gran Bretaña y de ascendencia rusa es uno de los mejores violonchelistas de nuestro tiempo. Artista dúctil, partidario de las versiones historicistas, pero también del repertorio romántico y de la música del siglo xx –es un intérprete extraordinario de compositores como Haydn, Schumann y Britten–, es bien conocido por el público de nuestro país que han sabido apreciar la exquisita claridad de un sonido perfecto. Por qué Beethoven tiró el estofado es su primera obra literaria.
Autor: Steven Isserlis
Editorial: Antonio Machado Libros

sábado, 12 de junio de 2010

Diana Krall

         Diana Krall, artista canadiense nacida en la localidad de Naniamo el 16 de noviembre de 1964, es una de las principales voces del jazz actual. Con cuatro años, gracias a la influencia musical de su padre, comenzó a tocar el piano y realizó diversos estudios musicales en su ciudad natal. En el instituto, Diana Krall formó parte de una banda de jazz, con la que solía tocar en pequeños locales de Vancouver, adonde su familia se había trasladado a vivir. Allí, con apenas 17 años, Diana Krall ganó una beca en el Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en la escuela de música de Berklee, en Boston, donde finalmente estuvo tres años perfeccionando su estilo.
Tras pasar por Los Angeles y Toronto, finalmente se instala en Nueva York, donde participa como vocalista e instrumentista en un grupo.
En 1993 Diana Krall publica su primer álbum, titulado "Stepping Out". Gracias a ese trabajo, el productor Tommy LiPuma se fijó en Diana Krall y se ofreció a producir su segundo trabajo, que llevaría el título de "Only Trust Your Heart". publicado en 1995.
El tercer trabajo de Diana Krall sería "All for you", un tributo a Nat King Cole titulado que le brindaría a Diana el empujón definitivo a su carrera, convirtiéndola en una de las voces de referencia en el jazz del cambio del milenio u obteniendo varias nominaciones para los Grammy.
En 1997 Diana Krall publica "Love Scenes", un álbum que rápidamente se convirtió en un gran éxito y que fue seguido por otro extraordinario trabajo, "When I Look In Your Eyes", aparecido en 1999 y con el que Diana Krall fue nuevamente nominada a los Grammy, recibiendo el premio a la Mejor disco de Jazz.
En el año 2000 aparece "The Look of Love", un disco alejado del jazz que había hecho hasta entonces, tratando de buscar el lado más comercial y que le valió para conseguir un gran registro de ventas y de listas, pero renunciando a su estilo propio.
En 2001, Diana Krall vuelve por sus fueros, presentándonos un álbum grabado en directo en el Olympia de Paris. El título del álbum fue "Live in Paris", un álbum lleno de grandes temas cantados con la fuerza y la belleza del jazz. Por estre trabajo, Diana Krall recibió su segundo Grammy, como mejor disco de jazz vocal.
En 2003 Diana Krall se casa con Elvis Costello. Fruto de esa relación, fue una colaboración entre ambos que se tradujo en el álbum titulado "The Girl in the Other Roomde", aparecido en el 2004 y en el que Diana Krall comienza a componer sus propios temas.
El 11 de Septiembre del 2006 aparece el que muchos consideran como el mejor álbum de Diana Krall: "From This Moment On", una colección de temas variados, favoritos de la artista, con su banda habitual en los últimos años. "From This Moment On" desgrana casi en su totalidad la personalidad artística de Diana Krall: su pasión por el jazz clásico, su gusto por las bandas reducidas (cuarteto) y las big bands. En el disco vuelve a haber temas grabados junto a la big band de Clayton / Hamilton, para los especialistas, la mejor de Estados Unidos en estos momentos -, su estilo vocal (más hondo, más profundo, dominando todos los tempos, y con un swing y su jazz de altura que toca todos los palos. "From This Moment On" roza la perfección de lo que puede ser un disco de jazz vocal, y sitúa a Diana en lo más alto de la música de nuestros días, trasciende estilos y marca el punto álgido de una carrera inmaculada.

Melodía en rosa

    La pantera aprende a tocar el violín y luego se dirige a una sala de conciertos donde intenta tocar el tema musical de La Pantera Rosa mientras se presenta la 5ª Sinfonía de Beethoven. Henry Mancini hace un cameo sobre el final.


martes, 8 de junio de 2010

SOFÍA, LA VACA QUE AMABA LA MÚSICA

Geoffroy De Pennart 
Editorial: Corimbo
Una vaca también puede ser una gran concertista. Eso pretende Sofía, movida por la convocatoria de un concurso, recorriendo todas las orquestas de la ciudad, con la frustración de no encontrar dónde le admitan. La única solución será montarse por su cuenta. Las divertidas y ocurrentes situaciones en las que se encuentra la vaca se resaltan con unas ilustraciones de tipo cómic muy descriptivas que componen escenas verdaderamente absurdas.



  • Grandes ilustraciones.
  • Una historia que habla de la frivolidad pero también ,como contrapartida, del tesón y la constancia por conseguir algo
  • El valor de la integración frente a las diferencias, que a veces son solo pura apariencia..




The Moody Blues

           The Moody Blues es un quinteto de músicos británicos que se formó en Birmingham en 1964. Su primera voz fue Denny Laine, que más adelante sería compañero de Paul McCartney en Wings. También participaban en el grupo Graeme Edge (batería), Ray Thomas (flauta y voz), Clint Warwick (bajo, voz) y Mike Pinder (teclados).
Sus comienzos fueron como una banda de R&B típica de la Inglaterra de la época y sacan su primer single Steal Your Heart Away en septiembre. No fue hasta su segundo single Go Now whit the Moody Blues cuando prueban las mieles del éxito y ventas, lo que les permite salir de gira, hacer las americas y editar su primer LP The Magnificent Moodys (Go Now en norteamérica).
Tras el primer disco, Denny Laine cedió su sitio a Justin Hayward (guitarra y voz) y también se incorporó al grupo John Lodge (bajo). Su segundo trabajo, Days of future passed (1967), representó un enorme cambio en los planteamientos musicales, y fue un enorme éxito, y aún hoy se sigue reeditando.
La concepción del disco fue un cúmulo de aciertos y casualidades. La casa discográfica buscaba una versión Rock de la sinfonía de Dvorak "El nuevo mundo". Pretendían con ello potenciar y rentabilizar los nuevos aparatos estéreo de los estudios. Los Moody Blues, sin conocimiento de la discográfica y con la buena vista del productor, Tony Clark, lo convirtieron en una obra personal (con la orquesta perfectamente ensamblada); un álbum conceptual que fue el disco más representativo de lo que en esos años se llamó Rock Psicodélico.
Otros discos de éxito fueron On the Thresold of a Dream (1969), Question of Balance (1970) o, su último gran éxito Long Distance Voyager (1981). El resto es historia, con los Moody Blues funcionando hasta el siglo XXI, con cambios (Pinder abandonó la banda, Thomas se retiró de la música) y reconversiones, pero convertidos en unos clásicos del Rock (si no Dinosaurios del Rock).

lunes, 7 de junio de 2010

David Lanz

                 Desde su debut discográfico en el sello Narada en 1983, David Lanz ha tocado amantes de la música en todo el mundo con la suya, graciosa licitación, el sentido bellas melodías de romance, y la profundidad emocional de su música.
Lanz fue criado en Seattle, donde fue influenciado por su mentor primer musical - su madre. Él dice: "Mamá solía tocar boogie-woogie en el piano. También interpretó a Ray Charles, Frank Sinatra, Nat King Cole y todo el tiempo, que fue una gran cosa en esa época porque, después de todo, también estaba el Coniff cantantes Ray ".
Luego llegó la década de 1960 - un tiempo tremendamente creativa que dejó una marca duradera en toda la música popular. "Yo viví a través de la era psicodélica y escribió miles de canciones de pop", dice. "Yo estaba muy influenciado por el popmeisters de todos los tiempos, los Beatles y otras bandas de Inglés como los Moody Blues y Procol Harum."
A través de la década de 1970, Lanz jugó sobre todo conciertos en solitario, teniendo la oportunidad de explorar el jazz, el blues y la música clásica, y también trabajó ocasionalmente como músico (tocaba los teclados en Jacks 'de radio de AM Terry golpeó Estaciones en el Sol). Mientras tanto, en su propio tiempo, fue desarrollando su propia música muy personal - y se sorprendió al encontrar que era esa música que la gente quería escuchar más.
Un amigo le había pedido que la oferta de música para un seminario sobre los chakras (cuerpo espiritual de la energía   sistemas), y la entusiasta respuesta a su música fue una revelación. "Al principio pensé, 'he estado escribiendo música desde hace años y que quiere esto?'", Recuerda. "Finalmente me di cuenta que había golpeado un acorde, así que comencé a seguir ese camino."
Era el amanecer de fuerte aumento de la popularidad de la música new age, y Lanz se posicionó perfectamente para abrir el camino. Colaboraciones con Paul Speer producido álbumes de referencia tales como estados naturales y VISIÓN DEL DESIERTO, llevando a primer álbum solo "Lanz, HEARTSOUNDS. Cinco años más tarde vino su álbum más famoso, EL SUEÑO DE Cristofori , que fue certificado Oro en 1993 (que significa ventas de más de 500.000) y estableció Lanz como intérprete principal de la música new age - aunque él prefiere llamar a su música "contemporánea instrumental."
De hecho, la nueva era ha llegado a significar tantas cosas que Lanz se burla de la designación, afirmando ser un CAPTURAR (Sensible New Age Guy) y calificó a su música "new age y mejorado" y "pesado suave." Trabaja de buena bromas afable en su presentación de conciertos, usar el humor para poner a su audiencia a gusto y dibujarlos en el espectáculo. "Siempre he disfrutado de Víctor Borge", dice. "No hacer su rutina, pero yo soy un poco irreverente."
Sin embargo, Lanz no descarta aspectos positivos de los fenómenos nueva era.

domingo, 6 de junio de 2010

El joven chopin

           La vida del joven Frédéric Chopin, con el telón de fondo de una Europa convulsionada por los movimientos revolucionarios del siglo XIX. El film muestra al joven músico polaco, convencido de que con sólo el piano puede ofrecer grandes composiciones, que no es necesario contar siempre con un gran orquesta; algo en lo que se reafirma cuando asiste a un concierto de violín de Paganini.
El polaco Aleksander Ford escribe y dirige una película atravesada por un fuerte sentimiento patriótico, y donde trata de subrayar, al estilo marxista, la lucha de clases entre el animado pueblo y la rancia aristocracia; en ese sentido la opresión rusa de los zares y el combate contra ella vendría a ser otra manifestación de esa lucha de clases, una de cuyas armas en el siglo XIX es el fuerte sentimiento romántico y nacionalista. Hay una buena reconstrucción de época, y como corresponde a los años años en que se hizo el film, los del domino comunista, alguna breve pincelada anticlerical. Se echa en falta una mejor definición de los personajes, sobre todo de Chopin y de la joven Constanza, de la que se enamora.

sábado, 5 de junio de 2010

Violin

            Los instrumentos de cuerdas fueron los primeros en registrarse en Europa durante la época medieval. Dentro de la historia del violín, por “de cuerdas” nos referimos a aquellos instrumentos tocados con un arco. Fue en el siglo XV cuando, lentamente, se desarrolló la familia de los instrumentos de cuerda frotada y violines. El renacimiento causó un gran impacto en todas las artes y particularmente en la construcción de violines y otros instrumentos. El violín como es conocido hoy en día se construyó a comienzos del siglo XVI. También emergieron en este clima la viola y el chelo. Todo lo que se explica acerca del violín y sus estructuras pueden referirse a la familia entera de instrumentos de cuerdas y a los conciertos relacionados. Este grupo de instrumentos ha sido desarrollado con el fin de satisfacer nuevas ideas sonoras que surgieron durante ésa época en Italia.
Gradualmente, tomaron el lugar de las violas que los precedieron. Fue con los fabricantes Cremonese que trabajando en este ambiente el violín y su familia alcanzaron el cenit, y aunque las innovaciones técnicas han sido aplicadas a través del tiempo, el plan y su forma básica aún se usan hoy en día. En Italia, habiendo escapado de la guerra por treinta años, los fabricantes de violines alcanzaron un enorme desarrollo. Andera Amati vivió en Cremona entre 1535 y 1611; se convirtió en el fundador de la escuela fabricante de violines más famosa del mundo. Otras escuelas son la de Brescia, la de Cremona, la de Milán y la de Nápoles.
Más tarde, la fabricación de violines se expandió por todo el continente europeo. Pero fue Cremona la casa de los fabricantes de violines más famosos: las familias Amati y Guarneri, Antonio Stradivarius, las familias Ruggeri y Bergonzi. Por más de 150 años, los violines hechos por Stradivarius y Guarneri han sido los instrumentos de concierto más codiciados.
La decadencia de la fabricación de violines comenzó durante la segunda mitad del siglo XVIII. Debido a la demanda creciente de instrumentos, los fabricantes de violines fueron forzados a producir mayor cantidad en menor tiempo. Así comenzaron a usar barnices que se sacaban más rápidamente pero que no alcanzaban la calidad de los viejos instrumentos. Aún, cada fabricante y cada entusiasta de los violines lamentan la desaparición del viejo violín original italiano. Por ello hay algunos fabricantes quienes intentan con gran esmero reconstruir los viejos barnices; ellos invirtieron en abundancia para todos sus experimentos.
Muchas influencias negativas frente a la construcción de violines resultaron de la contaminación de nuestro ambiente. Se sabe que en tiempos pasados, las balsas transportaban todos los troncos de los árboles talados. El río Po hace 250 años atrás —un río puro— no puede ser comparado con las contaminadas vías fluviales de nuestros tiempos. El mismo factor es válido también para casi todos los tramos de agua.
Debido al hecho de que la madera es un material altamente absorbente todas las sustancias disueltas en el agua penetran en ésta. Durante el proceso de secado, todas las sustancias permanecen en la madera. Además, durante el proceso posterior trabajado por el fabricante del violín, la influencia negativa que quedó en la madera no puede ser corregida. Pero el ambiente es un aspecto importante no sólo en lo concerniente a la madera.
Todas las sustancias, que son usadas para producir los barnices son productos naturales. La sustancia llamada tapa poros consta de propóleo, el cual es una sustancia producida por las abejas. El color de los barnices proviene de colorantes vegetales naturales, los solventes son oleos etéreos naturales. Todas las sustancias naturales que son usadas en la construcción del violín no se comparan con las sustancias de tiempos anteriores; desafortunadamente, han perdido su pureza.

Expresión musical

Pequeña Crónica de Ana Magdalena Bach

            "En la Pequeña Crónica de Ana Magdalena Bach hay una simpática anécdota referente a las enormes dotes de improvisación y lectura a primera vista de Johann Sebastian Bach. El gran maestro había dado a entender en muchas ocasiones que todo buen músico debe interpretar a primera vista cualquier clase de música. Su colega de Weimar, el organista municipal Sr. Walther, meditaba la forma de tenderle una trampa, para después reirse los dos de la broma. Sebastián almorzaba algunas veces en casa de Walther y, una de ellas, mientras esperaban que les sirvieran la comida, Sebastian se dirigió al clave, vio allí una partitura y, naturalmente, se puso a descifrarla.

Pero no había avanzado mucho cuando llegó a ciertas notas que le hicieron tropezar y, muy sorprendido (pues no estaba acostumbrado a tropezar ante ninguna música, por complicada que fuese), repitió la pieza desde el principio y tuvo que detenerse en el mismo punto. En alquel momento, el Sr. Walther, que había estado escuchando tras la puerta entreabierta, no pudo contener la risa. Sebastian se levantó de un salto y dijo, un poco avergonzado: "Aún no ha nacido el hombre capaz de tocarlo todo a primera vista. Este pasaje es imposible". En años posteriores contaba con frecuencia esta anécdota, para animar a discípulos tímidos.

Mario, un músico especial

         Un día Mario paseaba por el campo y observó que todos los animales y los árboles estaban tristes. Para alegrarlos inventó una máquina orquesta.
Autor: Carmen Rodríguez Jordana / Ana Fernández Buñuel
Editorial: Vicens Vives