sábado, 29 de mayo de 2010

Bemol Pispante y el misterio Stradivarius

       Bemol Pispante y el misterio Stradivarius, narra la historia de un ratón melómano que vive en una piano y que un buen día recibe una carta. Este será el comienzo de una emocionante aventura en busca del secreto mejor guardado de la música: el mágico sonido de los violines Stradivarius. 
Se trata de un cuento interactivo que, mediante un lenguaje sencillo, pretende aficionar a los niños a los placeres de la lectura y de la música, e intenta promocionar y ayudar a una mayor educación musical y a su popularización mediante la lectura y la ayuda de los nuevos soportes multimedia, contribuyendo a su vez al enriquecimiento de la calidad de vida de los niños. 
El libro incluye un glosario de términos musicales y un CD multimedia con pista interactiva para ordenador personal (PC) con la historia de Bemol Pispante, la historia del violín, la viola y el violonchelo, además de una partitura animada, juegos interactivos y el tema principal para cuarteto de cuerda Cuarteto de Luna, compuesto especialmente para este cuento por David López Cruz. 

Editorial: Siete Leguas Ediciones

jueves, 27 de mayo de 2010

Sellos de Julio Iglesias y Alejandro Sanz

    La canción melódica española y música latina actual gozan de una excepcional presencia en la Exposición Mundial de Filatelia España 2000, acto con el que se celebra el 150 aniversario del primer sello español, a través de Julio Iglesias, estrella internacional y cantante que se ve dignificado en la muestra con la aparición de su imagen impresa en la hoja bloque.
Alejandro Sanz, en tan sólo una década, ha pasado del anonimato a revelarse como un auténtico mito de la canción moderna. Comenzó en 1991 este joven músico, compositor y cantante con su álbum, ya millonario en copias, Viviendo deprisa y su ascenso ha sido vertiginoso.

miércoles, 26 de mayo de 2010

Pedro y el lobo - Sergéi Prokófiev

En 1936 Sergei Prokofiev recibió el encargo del Centro de Teatro Infantil de Moscú de escribir una sinfonía musical para niños. La intención era cultivar gustos musicales en los niños desde los primeros años de la escuela. El debut fue el 2 de mayo de 1936; según el propio compositor, la asistencia «fue pobre y no atrajo mucho la atención».
Pedro y el lobo está escrita para flauta, oboe, clarinete en La, fagot, 3 corno, trompeta, trombón, timbal, triángulo, pandereta, platillos, castañuelas, tambor de caja, bombo y sección de cuerdas.
Cada personaje de la historia tiene un instrumento y un tema musical, o leitmotiv:
Pedro: instrumentos de cuerda
Abuelo: fagot
Pájaro: flauta
Pato: oboe
Gato: clarinete en La
El Lobo: trompa
Cazadores: viento madera
Disparos: timbales, bombo
En un pueblo de Rusia, donde todos estaban aterrorizados por un lobo del bosque, vive un joven pionero llamado Pedro. Pedro vive en la casa de su abuelo que trabaja en la tala de los bosques. Un día, Pedro sale, dejando abierta la puerta del jardín; aparece un pájaro que lo acompaña. Al dejar la puerta abierta, un pato ve que hay un estanque y decide entrar a nadar, el pato entra y el pájaro le pregunta: "¿qué clase de ave eres tú que no puedes volar?", a lo que el pato replica: "¿qué clase de ave eres tú que no puedes nadar?". Sale un gato perezoso que soló está pendiente de comerse al pájaro: en un momento el pájaro se descuida y lo atrapa, pero no se lo puede comer. El abuelo de Pedro lo ve y le dice: "No debes estar afuera, no es seguro. ¿No sabes que hay un lobo suelto?" y añade: "¿sabes algo sobre los lobos?" "Sé que son muy tenebrosos" -Pedro responde, diciendo además que no tiene miedo, que es muy valiente y puede atrapar al lobo. El abuelo lo mete en la casa de la oreja y cierra la puerta. Pedro, frustrado, mira a través de un hueco hasta que, asustado, ve al Lobo. El gato trata de encaramarse a un árbol. Pedro, sorprendido, le dice al pato que escape del lobo, pero el pato sale del agua, y con su torpeza y lentitud el lobo se lo come. Entretanto el gato sólo se fija en el pájaro, distraído. Pedro sale por un hueco del tejado con una cuerda, y se monta en la rama de un árbol cercano. El pájaro cae accidentalmente en el hocico del lobo que sin embargo no se lo puede comer. Pedro prepara la cuerda y la baja cuidadosamente para atraparle hasta lograrlo. El lobo trata de liberarse sin éxito hasta que Pedro, tirando con todas sus fuerzas y temeroso de que pudiera liberarse, lo cansa. En eso llegan tres cazadores, que al ver lo que pasa se acercan sigilosamente, hasta ver que Pedro ha atrapado al lobo. Llevan al lobo al pueblo, donde todos celebran felices el fin del terror. Finalmente el pato sale del tronco del lobo, pues el lobo se lo había tragado sin morderlo.






martes, 25 de mayo de 2010

Claude Bolling


        Claude Bolling, pianista, compositor, arreglista y director de orquesta, nació en Cannes (Francia) el 10 de abril de 1930, donde ha vivido desde entonces excepto durante la ocupación alemana. Músico muy precoz, estudió primero música clásica y en 1944 ganó el "Tournoi des Amaters". Recibió clases de Marie Louise ''Bob'' Colin, y descubrió el jazz gracias a un compañero de escuela. En 1945 ganó el concurso de aficionados organizado por el Jazz Hot y el Hot Club of France en París. Creó su primer grupo a los 16, y realizó su primera grabación a los 18. 
     En 1945 formó un grupo que junto a Claude Abadie y Claude Luter, sería uno de los primeros intentos serios de hacer jazz tradicional en Francia después de la II Guerra Mundial. Con ocasión de la Gran Semana del Jazz de 1948 en Paris, acompañó a la gran cantante de blues, Berta Hill y posteriormente tocó junto a los principales músicos americanos de entonces. En 1955 formó su primera orquesta aunque las dificultades económicas tras la postguerra hicieron imposible mantenerla en activo. Tras cumplir el servicio militar, trabajó en todos los clubes de moda y grabó sesiones y conciertos, convirtiéndose en uno de los músicos más destacados y respetados del momento.
     Trabajó entre otros con Duke Ellington, (su decisiva influencia jazzistica); Count BasieJimmy LuncefordGlenn Miller. Es autor de un estilo propio que fusiona la música clásica y el jazz (su Suite para flauta y piano de jazz estuvo 530 semanas en las listas de ventas de Estados Unidos). En los setenta organizó una importante Big Band, (que todavía mantiene en activo) y además de haber sido arreglista de los principales cantantes franceses, ha compuesto la música de más de cien películas, entre ellas:"Borsalino", "Louisiane", "Flic Story" o "The Awakening".
     En Noviembre de 2001, realizó una gira por España y actuó entre otros lugares, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, dando un espectacular concierto sobre la música de cine y el jazz, que Apoloybaco, tuvo la suerte de escuchar en directo.

lunes, 24 de mayo de 2010

Jackson Browne

                Nacido el día 9 de octubre de 1948. Sus inicios fueron en la década de los sesenta. Fue acompañante de la cantante Nico. Su primer disco como solista apareció en 1972. Las siguientes grabaciones le consolidaron como una figura nacional, aunque su nombre siguió siendo conocido por las versiones que otros artistas hacían de sus temas, o a sus colaboraciones con otros grupos. En el año 1977 consiguió su mayor éxito con Stay, versión de un clásico de los años sesenta, originalmente grabado por Maurice Williams. Desde entonces manifesto abiertamente, sus tendencias políticas liberales, lo que perjudicó gravemente su carrera. Con MUSE (Músicos Unidos por una Energía Segura), participó en un buen número de conciertos gratuitos. La más destacada de estas actuaciones fue en 1980, en el mítico festival No Nukes en el que interpretó, junto a Bruce Springsteen, una versión de Stay. Durante los años ochenta y noventa ha alcanzando las listas de éxitos de forma esporádica. En 1983 triunfó con Lawyers In Love, y en 1986 con You're a Friend Of Mine, formando dúo con Clarence Clemons, el saxofonista de la E. Street Band de Bruce Springsteen. Ha mantenido también su abierta militancia en organizaciones como Amnistía Internacional. Browne abomina la televisión, el dinero, la hipocresía política y el desajuste ecológico. En la década de los 80's Jackson Browne realizó varias visitas a Nicaragua, estableciendo contacto con algunos artistas, como es el caso de los hermanos Cardenal y el cantautor Salvador Bustos, a quienes Browne les produjera sus primeros discos lanzados en Estados Unidos. El autor de clásicos como Running on Empty o Stay , compañero de correrías de Springsteen, Nico, Ry Cooder y los Eagles, ya no sueña con cambiar el mundo. Se publicó The Best of Jackson Browne, sus grandes éxitos.

domingo, 23 de mayo de 2010

Flauta Travesera

                  Los materiales que se emplean en la flauta pueden comprender entre madera, alpaca (más conocida como plata alemana) que es de lo que generalmente están hechas las flautas para los alumnos principiantes y por último podemos encontrar de forma completa o combinada la plata, el oro e incluso el platino. El uso de los diferentes tipos de materiales vendrá determinado primeramente al gusto del flautista pero hay otros factores que pueden decidir qué material preferir, como por ejemplo la proyección del sonido en los diferentes tipos de materiales y su color. Por ejemplo, el color del sonido de una flauta de oro es cálido mientras que el de una flauta de plata es más brillante. Los materiales metálicos de la flauta se suelen combinar entre las diferentes partes de las flautas. Suele hacerse así por motivos económicos, como por ejemplo tener una flauta con la cabeza de plata y el resto de alpaca, o la flauta entera de oro y las llaves de plata.
Las flautas no forman parte de la familia de los instrumentos de viento de metal sino que dentro de la clasificación usual de los instrumentos de la orquesta sinfónica, por su sonido se encuentran en el grupo de los instrumentos de madera junto con los de las familias del clarinete y del oboe, esto es, los instrumentos de lengüeta simple y doble. En la clasificación formal que estudia la organología, las flautas pertenecen a la familia de los instrumentos de bisel (que desde muy antiguo se han fabricado de madera) independientemente del material de que estén fabricadas.
Su registro básico es de tres octavas y va desde el do4 (el sonido de la tecla central del piano, que en la nomenclatura anglosajona se llama C4) hasta el do7. Ese registro puede ampliarse hasta a tres octavas y una quinta justa, desde el si3 hasta el fa#7; la nota grave adicional se consigue mediante una llave adicional (es importante hacer notar que las flautas más costosas se fabrican con llaves adicionales, para alcanzar si bemol 3, por ejemplo), y el extremo agudo (esa quinta justa que va del do#7 al fa#7), se logra mediante la ejecución de armónicos, técnica que depende de la capacidad del ejecutante, que debe ser adquirida con práctica y un estudio riguroso de la sonoridad

Mozart Flute Concerto No.1 K.313

LES LUTHIERS

 Les Luthiers es el nombre artístico de un grupo de música de humor compuesto originalmente por cuatro, luego siete, luego seis y en la actualidad cinco miembros de nacionalidad argentina, que comenzaron en la segunda mitad de la década de 1960 en la ciudad de Buenos Aires. Se caracterizan por ser músicos profesionales y por expresar un humor fresco, elegante y sutil. Tienen a gala el hacer reír con la música pero no de la música, con instrumentos informales creados por ellos mismos a base de materiales de la vida cotidiana; de ahí su nombre: Les Luthiers, que significa en francés, creadores de instrumentos musicales. 

LES LUTHIERS - La Tanda


sábado, 22 de mayo de 2010

Jacques Loussier

         Jacques Loussier (Angers, 26 de octubre de 1934), es un famoso pianista y compositor francés. Su talento se manifestó precozmente cuando tenía 10 años. Se inició en la composición musical a los 16, mientras era estudiante del maestro Yves Nat en el Conservatoire National de Musique de París.
Ha sido famoso por sus interpretaciones jazzísticas de las obras de Johann Sebastian Bach. De esta combinación de música barroca con el contemporáneo jazz, dentro del espíritu de la llamada Third stream, nació el Trio Play Bach con Pierre Michelot en el contrabajo y Christian Garros en la percusión. Especializados en revitalizar los tesoros del maestro Bach, han vendido más de seis millones de álbumes. En 1985 refundó el Play Bach Trio con dos nuevos compañeros: André Arpino (en la percusión) y Vincent Charbonnier (en el contrabajo).
En sus últimas grabaciones incorporó temas de Claude Debussy (Prélude à l'après-midi d'un faune, Clair de lune), Maurice Ravel (Boléro), Erik Satie (Gymnopédie, Gnossienne), Antonio Vivaldi, Frédéric Chopin, George Frideric Handel, Ludwig van Beethoven y Wolfgang Amadeus Mozart. Además publicó en el álbum "Boléro"(1999) su propia suite neoimpresionista titulada "Les Nymphéas", alusión a los cuadro del pintor francés Claude Monet. El maestro Loussier ha participado también en la composición de música en varias producciones cinematográficas francesas.
Músico que, basado en su gran capacidad técnica, ha logrado crear con originalidad y creatividad un nuevo estilo. No en vano el musicólogo francés Bernard Gavoty sostiene la tesis (compartida por el músico costarricense Alfredo "el Chino" Moreno) en la cual declara: "Loussier, ¿el mejor pianista del mundo? En su género, sin ninguna duda".

Jacques Loussier Trio, 2004, Leipzig- Pastorale in C minor

viernes, 21 de mayo de 2010

Hilary y Jackie

             De niñas, las hermanas Hilary y Jackie estudiaron música. Jackie, la menor de las dos, pronto adquirió fama como concertista de violencello mientras que Hilary, con la flauta, sólo actuaba de vez en cuando. En lo personal, las cosas les fueron justamente al revés. Hilary se casó con un buen hombre. Vivían en el campo y tenían dos hijas. Por su parte, el matrimonio de Jackie con un prestigioso pianista no terminaba de funcionar por los continuos compromisos de ambos. Y lo peor estaba por venir...

Mozart y la flauta

      En algún lugar leí o escuche que "la flauta" era el instrumento menos apreciado por Mozart, pues según decía, corría con la desventaja de alcanzar siempre una infructuosa afinacion. Quizás sea por eso que escogió este instrumento del grupo de las maderas para alternar simpáticos cacareos con Papageno y Papagena casi al Final del Segundo acto de la "La Flauta Mágica".
Aunque quizás también sea Papageno (el hombre pájaro), el mas frívolo entre los personajes de esta Opera, quien haya sido elegido por el mágico compositor para hacer el papel de Nosotros mismos (el ser humano) en la Obra. Para dejarnos, a meses de morir, uno de sus tantísimos mensajes hablados en su lengua musical y a su manera siempre tan irónica: “La flauta es Papageno, y Papageno somos nosotros. Así tan Frívolos, sosos, temerosos, dormilones, pérfidos, carnales; y a su vez tan simpáticos y adorables. Entonces Tamino, es el Ideal. El héroe que quisiéramos ser, valiente, decidido, y al final triunfante".
Y es que tal vez Wolfang Gottlieb (Amadeus) odia "la flauta" tanto como al Ser humano, y al mismo tiempo lo quiere tras una línea tan delgada como los finos silbidos del instrumento, Gracioso y saltarín como la niñez perdida del prodigioso compositor. 

        Escuchando, y por casualidad, su “Concierto en Do para Flauta y Arpa K299” vuelvo a reconocer el mismo mensaje casi como adelantándose a sus propias épocas. La Flauta, aunque aquí livianamente mas altiva, proclama en el Allegro del tercer movimiento su condición de humanidad. Me agrada escucharlo y jugar encontrando detalles curiosos. Como este, cuando el concierto modula al V grado, y se le oye en el Re - -Si-Do-Re-Re de la flauta, repetir simpática PaPaGuino (sin decirlo, obviamente), comienza una serie interminable de papaguinos que resuenan en mi mente.

domingo, 16 de mayo de 2010

El numero Phi en la música

En varias sonatas para piano de Mozart, la proporción entre el desarrollo del tema y su introducción es la más cercana posible a la razón áurea.

Caracteristicas de la Sonata Nº1 para piano de Mozart:
  • El segundo tema armónico de la obra siempre es más extenso que el primero
  • Primer movimiento subdividido en 38 y 62 compases y 63 / 38 = 1.6315
  • Segundo movimiento subdividido en 28 y 46 compases y 46 / 28 = 1.6428

Aunque no sabemos con precisión que Beethoven estuviera al tanto de ésto, pero en su Quinta Sinfonía, distribuye el tema siguiendo la sección áurea. El clímax de la obra se encuentra al 61,8 % de ella.

Los músicos de jazz autodidactas pueden no ser conscientes de la teoría de escalas, armonía y formas que usan habitualmente, pero igual producen obras armoniosas.

El Piano:El piano está constituido por siete octavas ordenadas de forma creciente de graves a agudas.

Así, los primeros seis números de la Sucesión de Fibonacci figuran en una octava de piano, la cual consiste en 13 teclas, 8 teclas blancas y 5 teclas negras ( en grupos de 2 y 3).





  • Los instrumentos musicales se basan a menudo en phi


Enya - May It Be

«May It Be» («Podría ser») es una canción de la cantante irlandesa Enya, interpretada para los títulos de cierre de la película El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo. Existen dos versiones de la canción: la publicada en la banda sonora original de la película (2001), de 4:16 de duración, y la incluida en el sencillo (2002), una versión recortada (edit) de 3:30. Ambas fueron grabadas en 2001 en los Aigle Studios, el estudio de grabación de Enya cerca de Dublín.1 La letra de esta canción, compuesta por Roma Ryan, incluye dos frases en quenya, la lengua élfica inventada por J. R. R. Tolkien.4
«May It Be» ha recibido numerosos y prestigiosos premios (Critics' Choice, Sierra, etc.) y nominaciones, como a los premios de la Academia, Grammy o Globo de Oro.5 El sencillo de esta canción alcanzó el número uno en las listas de ventas alemanas,2 aunque en el Reino Unido ni siquiera entró en la lista de los 40 sencillos más vendidos.6 La canción, a pesar de no ser muy antigua ni sencilla de interpretar, ha sido versionada por cantantes y grupos de diversas tendencias musicales.
La letra de la canción, escrita por Roma Ryan como la mayoría de las de Enya, es breve: sólo veintiún versos; y está redactada mayoritariamente en inglés, pero incluyendo un par de frases en quenya o alto élfico, una de las ideolenguas inventadas por Tolkien para ambientar su universo de ficción: Mornië utúlië («La Oscuridad ha llegado») y Mornië alantië («La Oscuridad ha caído»).4 Se trata de un canto alegórico y triste ante la llegada de la Oscuridad de Sauron, pero también lleno de esperanza: «May It Be», o «Podría ser», («Nai» en quenya) es una frase hecha supuestamente utilizada por los elfos para expresar un deseo.

Enya


Su nombre verdadero es Eithne Ní Bhraonain y nació en Gweedore, County Donegal, dentro de una familia de músicos. Su propia formación musical transcurrió en el marco de la música clásica, y lejos de la escena folk irlandesa, que en principio no le interesaba demasiado. En 1980, cuando todavía era una adolescente, Enya (una transposición de la pronunciación de su nombre en gaélico, Eithne) formó con varios miembros de su familia el grupo Clannad, a petición de Nicky Ryan, que entonces era el mánager del grupo.
Ryan creía que Enya daría nueva vida a los arreglos del grupo y se convirtió en la primera teclista del grupo. También contribuyó a la creación de un nuevo sonido con extraordinarias texturas vocales "Siempre quisimos que la presencia de Enya en el negocio de la música fuera solamente temporal, siempre pensamos que después veríamos qué dirección tomaba el asunto" recuerda Nicky. "Pero era obvio que tenía un talento notable para componer su propia música y también estaba claro que tenía una buena voz, pero dentro del grupo no tenía suficiente espacio para desarrollarse".
Cuando Nicky y Roma, su mujer y socia en el negocio, se separaron de Clannad en circunstancias bastante desagradables, a Enya se le planteó la decisión de si debía continuar en el grupo o debía probar suerte como artista en solitario. A pesar de las dificultades que planteaba separarse de un grupo integrado por su propia familia, Enya decidió abandonar para construir su propia y única visión musical.
Durante los años que siguieron, los tres se convirtieron en un equipo que superaba la noción convencional de las relaciones que suelen establecerse entre managers y artistas. "Enya se vino a vivir con nosotros, lo que fue una gran demostración de confianza por su parte," reconoce Nicky Ryan.
Pero en realidad todos tuvieron que arriesgarse mucho, reuniendo todos sus recursos para construir su propio estudio de grabación en el jardín de los Ryan. El banco no quiso darles un crédito, y Enya tuvo que vender su saxofón, mientras Nicky y Roma invertían en la empresa todos los ahorros de su vida. Montaron ellos mismos la primera consola del estudio, y Enya y Roma dedicaron tres meses a ajustar todos los componentes, mientras Nicky lo iba soldando todo. "Invertimos absolutamente todo lo que teníamos en aquel estudio, y si no hubiera funcionado, nos hubiéramos hundido", recuerda Nicky.
Una vez que el estudio estuvo operativo, empezó a alquilarse para otros artistas, y Enya solo podía grabar allí en los ratos libres que quedaban, desarrollando una colaboración a tres bandas que ha continuado hasta nuestros días. Roma escribe las letras y Nicky se encarga de la producción, la grabación y los arreglos de su música.
El primer signo de que su fe en sí mismos podría dar resultados llegó cuando Enya recibió del encargo de componer la música de la banda sonora de la película The Frog Prince, de David Puttnam, en 1984. Después, en 1986, siguió el encargo de componer la música para un documental de televisión titulado The Celts. En esta ocasión, Enya también interpretaba la música y las emocionantes canciones de la película, escritas en ingles y gaélico. Aquello se convertiría en su primer álbum en solitario, titulado con su propio nombre y publicado en 1987. En este momento el disco no generó mucha atención, aunque la canción 'Boadicea' fue versionada por The Fugees y Mario Winans, en su éxito de 2004 'I Don't Wanna Know'.
Uno de los pocos que se interesaron por Enya fue Rob Dickens, entonces presidente de Warner Brothers. De hecho, se quedó tan hipnotizado por el disco que la contrató inmediatamente. Muchos en la discográfica pensaron que estaba loco, y no veían mucho potencial comercial en la etérea música de Enya, que parecía tener poco que ver con los movimientos pop del momento. Pero a Dickens le daba igual. Le encantaba la voz de Enya, y lo que hacía, y para él eso era suficiente. "A veces la discográfica se dedica a hacer dinero y otras a hacer música", dijo Dickens en una famosa frase. "Enya se dedica a lo segundo".
De hecho, contratar a Enya demostró ser una decisión acertada comercialmente y no sólo artísticamente, pues Enya se convirtió rápidamente en la artista irlandesa que más discos había vendido de todos los tiempos. Watermark, su disco de debut con Warner en 1988, marcó el ritmo que iba a seguir su carrera. Contagiado del éxito de su single
Orinoco Flow, que estuvo en los primeros puestos de las listas, el álbum vendió ocho millones de copias.
Tres años después, Enya publicaba Shepherd Moons, que vendió diez millones de discos y supuso su primer Premio Grammy. Cuatro años después llegaría otro Grammy con The Memory of Trees (1995).
En 1997 apareció una colección de grandes éxitos, Paint The Sky With Stars: The Best of Enya, una publicación que incluía nuevas canciones junto a composiciones tan queridas como "Orinoco Flow", "Caribbean Blue" y "Book of Days". Un nuevo álbum, A Day Without Rain, apareció finalmente en 2000 y vendió 13 millones de copias, convirtiéndose en su disco más vendido hasta la fecha.
El álbum se mantuvo en las listas estadounidense durante dos años. Durante ese tiempo, por supuesto, ocurrieron cosas como los atentados del 11 de Septiembre y la conmovedora "Only Time", una de las canciones de "A Day Without Rain", fue adoptada por muchas cadenas de televisión y radio como fondo de sus reportajes. Muchos de sus fans se sorprendieron de este inesperado uso de su música, pero Enya publicó una edición especial del tema para recaudar fondos para ayudar a las familias de las víctimas de los atentados.
Más tarde, también en el mismo año, dos temas de Enya, May It Be y Aniron aparecieron en la película El Señor de los Anillos- La Comunidad del Anillo, después de que el director Peter Jackson le pidiera personalmente a Enya que colaborara con la película. Enya, Nicky y Roma fueron nominados a los Oscar y a los Globos de Oro por el tema "May It Be".
Con más de 80 millones de discos vendidos, 3 Premios Grammy, 3 Premios World Music y una nominación al Oscar a la mejor canción, Enya - una de las artistas femeninas más reconocidas mundialmente


viernes, 14 de mayo de 2010

Amor inmortal

          Año 1827. Una fervosa multitud llena las calles de Viena para rendir su último adiós al genial Ludwig Van Beethoven. El músico ha legado todo lo que posee a una mujer desconocida, su amor inmortal. Nadie sabe de quien se trata. Sólo hay una única pista para hallar la identidad de la mujer, una carta. 

jueves, 13 de mayo de 2010

Bolero de Ravel (animación)

        Es una interesante forma de escuchar el Bolero de Ravel a través de  una animación en la que se recrea el origen de la vida a partir de una gota que sale de una botella de Coca Cola; se trata de un corto perteneciente a la película “Allegro non troppo”.

Videos tu.tv

miércoles, 12 de mayo de 2010

The beatles en dibujos animados

        The Beatles fue una serie animada con las desventuras de la fantasía y la música de la banda de rock británico The Beatles. estuvo al aire desde 1965 hasta 1969 en la cadena ABC en los Estados Unidos (sólo desde 1965 hasta 1967 fue primera ejecución; transmisiones posteriores fueron repeticiones). La serie debutó el 25 de septiembre de 1965 y terminó el 7 de septiembre de 1969. Un total de 39 episodios fueron producidos. La serie se emitió en las mañanas del sábado a las 10:30 AM hasta el otoño de 1968, cuando se trasladó a las mañanas de domingo. Cada episodio tiene un nombre de una canción de The Beatles, así que la historia se basa en sus letras.

Chico Marx y Harpo Marx

De pequeño me encantaba las películas de los Hermanos Marx y me siguen gustando, sobre todo cuando Chico o Harpo tocaban el piano o el arpa. Son brillantes.




Ravel- Vladimir Jankelevtch

     Maurice Ravel es una figura indiscutible de la música europea del siglo xx. Creador de una obra de maravillosa transparencia y de fascinante calidad técnica, Ravel es también un compositor cuya popularidad lo ha convertido en una figura internacionalmente reconocida. Jankélévitch ha escrito un hermoso libro que aúna el conocimiento exhaustivo de la obra raveliana con una profunda interpretación de su principal secreto: la magia de una elaboración musical por la que nunca pasa el tiempo. Riguroso y claro, Ravel de Jankélévitch recorre las sendas menos conocidas, o superficialmente estudiadas, de uno de los mayores genios artísticos de su tiempo. Ravel, cuya primera edición data de 1939, y fue ampliada por Jankélévitch en 1956, es un clásico de los estudios musicales.


Editorial:   VISOR

Schuman, Robert



Su fecha de nacimiento es del año 1810 y fallece en el año 1856. Robert Schumann personificó de muchas formas el romanticismo musical. Sus trabajos son intensamente autobiográficos y usualmente tienen títulos, textos o programas descriptivos.
El expresaba su naturaleza esencialmente lírica a través de originales piezas o canciones para piano. Y como escritor y crítico, también descubrió e hizo famosos a algunos compositores de su época. Schumann nació en Zwickay, Alemania. Estudió derecho en la Universidad de Leipzig, pero en realidad era devoto a la literatura y a la música.
A los veinte, decidió convertirse en un virtuoso del piano. Pero esta meta le resultó imposible cuando se le desarrollaron serios problemas en su mano derecha, los cuales no fueron ayudados por los tratamientos médicos ni por el artilugio que utilizaba para mantener los dedos estirados y reforzados. “No te preocupes por mis dedos”, le escribió a su madre, “Puedo componer sin ellos”, y a esa misma edad compuso muchos trabajos de piano los cuales permanecen como una parte básica del repertorio, aunque para esa época fueron frecuentemente considerados muy personales y poco convencionales. También a los veinte, fundó y editó el Nuevo Diario de Música, el cual contenía sus críticas apreciativas a los jóvenes y “radicales” compositores como Chopin y Berlioz.
Mientras estudiaba piano, Robert conoció a la hija y alumna de su profesora, Clara Wieck, en ese entonces un prodigio de nueve años. Ambos se comprometieron cuando Clara tenía diecisiete años; pero su padre se opuso severamente, y la pareja tuvo que luchar contra él en la corte antes de que pudieran casarse. El suyo fue un matrimonio feliz. Clara -una gran compositora- fue también la intérprete ideal de los trabajos de Robert e introdujo a muchos de éstos al público.
Schumann ocupó algunos puestos musicales pero era temperamentalmente inadecuado para ellos, y durante sus últimos años, tanto su salud mental como física se fueron deteriorando. En 1854 trató de dibujarse a sí mismo y fue trasladado a un asilo, donde murió dos años después.

lunes, 10 de mayo de 2010

Efectos sonoros

           Al igual que hay ilusiones ópticas para la vista también hay ilusiones sonoras para nuestros oídos, Estas se encargan de engañar al odio, haciéndolo escuchar cosas que no son. 
           Esta es una grabacion de la paradoja de Shepard sintetizada por Jean-Claude Risset. El par de cuerdas suenan como si estuvieran avanzando en la escala, pero en realidad mantienen la misma escala desde el principio hasta el final. Si reprodujéramos esta grabacion en forma continua seria imposible determinar su principio y su fin.  Una vez que termine la audición vuelve a ponerla para oír el efecto.
      En esta ilusion uno tiene la sensacion de escuchar el sonido de unas campanas que se estan cayendo. A medida que caen su tañir se hace mas bajo, pero en realidad lo que hace es subir! Si activan la reproducion automatica notarian que el sonido es mucho mas bajo al iniciar la pista. Lo que demuestra que el inicio esta en un volumen mucho mas bajo que el final.

domingo, 9 de mayo de 2010

Copying Beethoven

            Anna Holtz, de 23 años, es una aspirante a compositora con pocos medios que intenta encontrar inspiración y prosperar en la capital mundial de la música, Viena. Anna, que estudia en el conservatorio, se las ingenia para conseguir una oportunidad de trabajar junto al mejor y más voluble artista vivo: Ludwig van Beethoven. Cuando, improvisadamente, el escéptico Beethoven la pone a prueba, Anna demuestra sus dotes y su especial valía para la música. El maestro decide aceptarla como copista, lo que da comienzo a una extraordinaria relación que cambiará la vida de ambos.

Piano vertical y cama


           El nombre exacto de la obra es Convertible Bed in Form of Upright Piano, y ha sido diseñada por Smith & Co.. Actualmente, se encuentra en el Brooklyn Museum, pero si alguno se atreve a hacer bricomanía con su piano…
           Es un piano que se convierte en cama, para las personas que tienen poco espacio en casa .
El único inconveniente es que este piano no suena ya que no lleva todo el mecanismo que tiene un piano de verdad pero es muy decorativo.
En este vídeo podéis ver como se convierte este divertido mueble.


sábado, 8 de mayo de 2010

Invenciones Bach


       En 1723 Bach decide reunir una serie de obras escritas para el aprendizaje de sus hijos (Wilhelm Friedemann, sobre todo) bajo el título de Invenciones y Sinfonías. La obra recoge quince piezas a dos voces y otras quince a tres, todas ellas con estructura similar —si entramos a profundizar, podemos subdividir en tres tipos de estructura, pero es innecesario para los propósitos de este artículo—. No es ocioso, en cambio, comentar que la palabra Invención proviene de la retórica, y que muchos procedimientos empleados en estas obras se asemejan a los de la retórica.
En el prefacio de la colección, Bach escribe "Recta instrucción en que a los amantes del teclado, y especialmente aquellos deseosos de aprender, se les muestra un camino claro no sólo para aprender a tocar claramente a dos voces, sino, después de progresar, para manejarse correctamente y bien con tres partes de obligatto; sobre todo alcanzar un estilo cantabile al tocar. 
Bach compuso pues una obra no sólo para enseñar a tocar, sino también a componer. Es por ello que suelo usar las Invenciones para ilustrar ciertos procesos compositivos.
Aquí os dejo una parte de esas invenciones (VER PARTITURA)
Os recomiendo las invenciones de la editorial: Enclave Creativa Ediciones, S.L.
La publicación de esta magnífica obra que tiene como objetivo facilitar al estudiante de piano la comprensión y la interpretación de estas pequeñas obras de arte tan conocidas. Con un detallado análisis formal, armónico, melódico y rítmico, y con un proceso de trabajo derivado del propio análisis y del desarrollo técnico de cada Estudio. En algunos casos se añade una versión facilitada que hará las delicias de los estudiantes puesto que son de fácil acceso y permiten la audición cercana a la obra. 

Mozart el genio

      Mozart escribió 621 obras que pasó al papel escrupulosamente, casi sin tachones ni enmiendas. Se calcula que copiar su obra completa dedicando 10 horas al día llevaría 25 años. Algo increible si tenemos en cuenta que Mozart sólo vivió 35 años.
    Eso se explica porque antes de pasar la obra al papel la tenía completamente desarrollada en su cabeza lo que le facilitaba la tarea de llevarla al papel y disminuía la cantidad de errores.

viernes, 7 de mayo de 2010

Charlie Chaplin y Buster Keaton en la misma escena

Aquí están sencillamente dos de los mas grandes de la historia y del mundo en la misma escena de la película “Candilejas”.

La armónica de cristal

La música obtenida con instrumentos de cristal se remonta, dicen, hasta la antigua China. Sin embargo, fue en el siglo XVIII cuando se puso de moda en Europa y alcanzó su apogeo gracias a instrumentos como la llamada Glass Armónica, inventada en 1761 por ese fuera de serie que fue Benjamin Franklin. La armónica de cristal venía a dar solución mecánica y enciclopédica al modo tradicional de hacer vibrar las copas de cristal: varias piezas cilíndricas de cristal se ensamblan en un vástago central que gira mediante la accion de unos pedales, de modo que solo se requiere posar los dedos húmedos sobre el torno central, que hace las veces de teclado.





Glück, Beethoven o Mozart compusieron piezas pensadas expresamente para la armónica de cristal. A comienzos del siglo XIX el timbre de éste y otros instrumentos de vidrio como el Séraphine y el Euphone, se asoció con lo celestial, lo etéreo y lo angélico.
Jean Claude Chapuis ha investigado a fondo toda la música que puede dar de sí el cristal, escribiendo varios libros sobre el tema, dando conciertos, componiendo, fabricando sus propios instrumentos, e incluso creando un taller donde investigar y desarrollar nuevas técnicas. La limitación sonora de sus instrumentos exige una técnica extremadamente cuidadosa que, al excluir por principio los fortissimos, debe buscar los matices de intensidad con muy leves variaciones.

Un invierno en Mallorca

     La sociedad mallorquina no ve con buenos ojos la relación adúltera de George Sand con el músico Frédéric Chopin, seis años menor que la escritora y gravemente enfermo de tuberculosis. Cuando ambos viajan hasta la isla con la idea de pasar un invierno más cálido y beneficioso para Chopin, nadie quiere alquilarles alojamiento. Solo encuentran la posibilidad de instalarse en la semi-abandonada Cartuja de Vallhermossa, inhóspita y falta de comodidades. A las dificultades por las que atraviesa su relación, la frágil salud de Chopin y la presencia de los hijos de George Sand, se suma la incomprensión y la hospitalidad de los lugareños. 

George Sand - Un invierno en Mallorca
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jueves, 6 de mayo de 2010

Flaminio, el piano

       No es fácil para Nick mudarse de casa y hacer amigos. Especialmente cuando los vecinos piensan que su familia es “rara”, Y mucho más cuando Flaminio, el gran piano de cola, hace sonar enjambres de avispas, estampidas salvajes, sirenas, caballos, gallos y lechuzas. Este es un delicioso relato de música, amor y vida de barrio. 
Flaminio El Piano (Colección Torre de Papel) por Garry Disher